Carmine Infantino fue uno de los creativos del comic que definió la estética de la etapa/corriente de la Época de Plata.
En 1967,Infantino se ocupó de dibujar todas las portadas de los comics de la DC,debido al simple hecho de que los comics con portadas suyas se vendían más.Obviamente más de una vez le preguntaron cuál era su secreto para hacer portadas tan llamativas como para motivar al público a comprar las revistas.La respuesta de Infantino siempre fue que él tenía una lista de 7 elementos gráficos,"científicamente comprobados" (sic) para elevar las ventas de un comic.

¿Que cuáles eran dichos elementos? Dos puntos y aparte:

1. ¡Dinosaurios!
   
   
   
2. ¡Gorilas!
   
   
   
3. ¡Motocicletas!
   
   
   
4. ¡La ciudad en llamas (o destruída)!
   
   
   
5. ¡El color púrpura!
   
   
   
6. ¡El héroe llorando (derrotado)!
   
   
   
7. ¡Una pregunta directa al lector,como "¿Porqué está llorando el héroe?"!
   

La brecha que separa al arte del diseño,la artesanía y la maquila,es que las obras de arte son únicas,personales e irrepetibles como tales —ergo el alto valor comercial y sentimental que puede alcanzar una pieza original,aún cuando carezca de toda utilidad práctica.Hoy en día las obras de arte casi no existen,especialmente cuando resulta que la creatividad no puede darse el lujo de carecer de uso práctico,y de hecho tiene la obligación moral de ser producida en serie y reproducida masivamente para su publicación ante una audiencia (el show debe continuar y nunca detenerse,como dicta la filosofía circense).
La singularidad del arte en tiempos antiguos lo hizo limitado,y por lo tanto,se volvió un signo de status:sólo los ricos podían pagarlo (los más pudientes incluso 'compraban' a los artistas mismos bajo contratos de mecenazgo),sólo los más cultos podían interpretarlo y valorarlo.Y así,la creatividad artística se volvió el oro molido del pensamiento humano.Pero las cosas cambiaron con la Revolución Industrial y la cultura de masas.Cuando las reproducciones de las obras creativas no sólo se volvieron fieles sino idénticas —o incluso superiores técnicamente— a los originales,el valor de las obras artísticas cambió.Y así,hoy en día no hay ya tantos catedráticos de arte,pero abundan los coleccionistas y fans.Y hoy en día,más que mecenas,los artistas se asocian con agentes artísticos que ya no pagan sin cobrarse antes una comisión.En esta evolución,surgieron también un gran número de intermediarios directos e informales por igual,los cuales han convertido en un espejismo el principio de que existan obras 100% personales.
El cine,la TV,la radio,los comics,los magazines,la música y cualquier otra forma de expresión moderna,para bien o para mal,son obras grupales por simple necesidad técnica.Invariablemente implican la labor de varios colaboradores e intermediarios que,siendo justos,deberían compartir créditos autorales.No importa cuánto insista el medio del cine en hablar de que hay 'cine de autor',los directores a cotón requieren de un equipo técnico y de un reparto artístico,mínimo.Y lo mismo va para todos los demás medios —con editores,correctores de estilo,asistentes de dirección,maquetadores,productores,operadores,etc.

Para evitar complicaciones,el criterio usual para adjudicar créditos autorales se remite a reconocer preferencialmente a quien tuvo la idea inicial de una obra (el creador),o bien a quien le tocó coordinar la gestalt para que todos los involucrados actuaran con fluidez (el líder intelectual).Es en este 2º escenario cuando ocurre entonces que una obra no necesariamente pertenece a los creativos sino a las compañías —y por compañías entiéndase no sólo las entidades industriales o corporativas,sino los colectivos artísticos,los estudios,las comunas,etc.Más todavía:las audiencias en ocasiones integran compañías informales que controlan el rumbo de obras creativas en modos no menos eficientes.Existen muchos casos de personajes y obras de ficción que han sido alterados con el fin de actualizarlos o modernizarlos,pero al final vuelven a su punto inicial (vulgo:"clásico") por exigencia de parte del público (y viceversa:muchos remakes y actualizaciones existen por presión externa de ajustar las obras a las modas en boga).

De que existen quienes hacen su lucha por oponerse a la colectividad creativa y mantenerse lo más personal posible,los hay.Pero el entorno,estando predispuesto a las obras colectivas,no suele prestarles atención suficiente.Es entonces que invariablemente los creativos tienen la necesidad paradójica de afiliarse a alguna colectividad para darse a notar entre la multitud.Quien no se afilia a una moda o un movimiento artístico,colabora en una antología.Y quien no hace lo anterior,de menos se integra a una comunidad online donde todos son creadores,todos se entienden y todos son audiencia cautiva (con todos los vicios que eso implica).

Paradójicamente,el valor artístico de una obra suele recaer mucho en su sello de autenticidad,en la firma o estilo único del poseedor del copyright correspondiente,dígase creador o líder intelectual en turno tras la obra.Y sin embargo,la experiencia colectiva impone compartir y sincronizar estímulos,criterios y las concepciones.Todos aprueban a los autores con visiones personales,pero sólo si dichas visiones concuerdan con las de una colectividad...las visiones demasiado personales,privadas e individuales carecen de todo interés o resultan demasiado incomprensibles.El internet es un ejemplo inmediato:en numerosos sitios web,desde Amazon hasta Facebook,el sistema es capaz de identificar a los individuos en algún sector,y ofrecer recomendaciones diversas acordes a la personalidad.Los procesos cognitivos y sensoriales individuales como mecanismos de convivencia.Una utopía de criterios democráticos sin líderes designados,pero sí con un orden preestablecido y severo que castiga con la censura de la marginación a quien no entra al aro.El creativo completamente autónomo,diferente de los demás en su perspectiva de las cosas,es considerado incapaz de entablar un diálogo.Con suerte se le respeta como a un orador capaz de proponer discursos profundos,pero rara vez se le acepta en una posición de equidad recíproca.

El individualismo es un animal arrinconado que muerde y manotea a quien se le acerque.Se desconfía de la sola posibilidad de que el estilo o las ideas se 'comprometan' ante la necesidad de complacer a la colectividad.Pero las interconexiones colectivas son cada vez más complejas,y lo que parece una visión personal a veces es el estilo de una colectividad a la que el creativo pertenece incluso sin estar consciente de ello —a fin de cuentas,quien no se identifica con una cosa,lo hace con otra.En mercadotecnia es bien sabido que el éxito comercial no depende de los productos en sí,sino del modo en que se encaminan a un nicho de mercado.No por nada los refrescos carbonatados se anuncian sólo con niños y jóvenes,mientras que las botellas de agua apelan a yuppies vigoréxicos.
Las votaciones colectivas y 'democráticas',la lluvia de ideas,los jams,los cadáveres exquisitos...pensamientos y opiniones —y criterios— en conjunto.

Hoy en día,todo el mundo imita a alguien más.Detrás de cada individuo,hay una trayectoria de influencias sin acreditar y plagios traperos.Es inconcebible que alguien tenga una idea de manera individual.La experiencia cultural así lo demuestra,y ese es el criterio colectivo.Algunos lo toleran (si se identifican con el individuo) y otros lo denuncian (si se autonombran escépticos de la originalidad o peor,defensores del copyright).Pero invariablemente,los creativos individuales generan desconfianza.Al parecer todo mundo ha olvidado que no son las ideas las que hacen a una obra,sino el modo en que se expresan y el modo en que se combinan entre sí para adaptarse a un contexto dado.Aunque quizás existe la posibilidad de que toda resistencia a la masividad sea pura nostalgia romántica,y que la creatividad singular e individual,sea obsoleta para la cultura popular moderna.

A.V. Club ha publicado una lista de 21 artistas que cambiaron los comics mainstream —o dicho de otro modo,los 21 estilos más imitados y/o referenciales dentro de lo que implica la identidad gráfica del comic.
A decir verdad es una lista sumamente sólida y bien justificada en su criterio.Lo bastante como para ser incluso una guía básica para todo entusiasta/lector/fanboy/whatever del comic,en el sentido de que toda buena colección debería tener al menos una obra de cada uno de los autores listados.

Por supuesto,la lista se presta también a un sano ejercicio de crítica y discusión...en mi opinión,Rob Liefeld y Todd McFarlane quedaron muy abajo,y Chris Ware debió quedar fuera para cederle su lugar a Scott McCloud (no dibujará mucho en el mainstream,pero ultimadamente sus libros sobre teoría del comic han influenciado a millones de trazadores,para bien o para mal).Y pues los 3 grandes ausentes de la lista,en mi opinión,son Alex Toth (que no tendrá tantos fans,pero ultimadamente su estilo de entintar y encuadrar creó escuela),John Romita padre (su estilo fue referencia obligatoria durante buena parte de los 60's,70's e incluso parte de los 80's),y Wally Wood (aunque él con ciertas reservas,considerando que en su momento le dió la espalda al mainstream y se clavó más en la marginalidad).Aunque bueh,más que ausentes,quizá lo más justo sería decir que se trataría de los siguientes en el recuento,de haber sido más larga la lista.

El link está líneas arriba,pero si no les interesa clickar (que lo recomiendo:repito,la lista está bien justificada en su criterio),pues acó va el recuento de los enlistados:

1. Jack Kirby
2. Steve Ditko
3. George Pérez
4. Alex Ross
5. Mike Mignola
6. Carmine Infantino
7. Greg Land
8. George Tuska
9. Jim Lee
10. Carl Barks
11. Dan DeCarlo
12. Steve Rude
13. Will Eisner
14. Joe Kubert
15. Rob Liefeld
16. Todd McFarlane
17. Chris Ware
18. Basil Wolverton
19. Harvey Kurtzman
20. Neal Adams
21. Bill Sienkiewicz

La industria del comic en México tiene varias fascetas —o mejor dicho,facciones o incluso partidos.El sector de los comiqueros (y por extensión el sub-grupo de mangueros) es sin duda el sector más grande y organizado...o al menos,el sector más público y bullanguero,y el que liderea (o al menos hace el intento de) todas las discusiones alrededor del comic como medio.

Ahora bien,en términos de mercado y la verdad sea dicha,en México se importa más comic del que se produce.No es secreto que el mayor número de comics que se leen en el país son en realidad originarios de E.U.A.,Japón,Canada e Inglaterra,con algunas muestras simbólicas de España,Francia,Italia,Bélgica y Argentina.Aquí llegan cosas desde allá,se post-producen en algunos casos,se consumen,y se conservan o desechan a según los casos y gustos.Como resultado,los comiqueros asiduos son sumamente cultos en su ramo,e incluso muchos son verdaderos especialistas en algún tema o género en particular.Sin embargo,la cruz que cargan todos los comiqueros es un detallito mínimo:ninguno es gringo,britichi,japo,canaca o franchute.Venga,muchos ni siquiera hablan inglés o conocen los diversos slangs regionales de España (al menos fuera de 3 que 4 palabrotas aprendidas de películas y rolas de rock y pop).

Durante toda su formación previa y existencia actual,los comiqueros han leído historias y visto dibujos exactamente como quien siendo hispanoparlante escucha rap gangsta,música shibuya kei o yodel alemán:se ve la obra,se entiende su razón de ser y uso práctico,se sienten incluso las emociones a transmitir...pero no se le entiende del todo a lo que está diciendo el intérprete en turno.Sí,sí,ya sé que hay tópicos universales dentro de la condición humana,que la cultura globalizada y la manga del muerto.Pero siempre quedan algunos detalles culturales fuera por que a fin de cuentas,cada nación,cada ciudad,cada comunidad y cada tribu urbana tienen modos,hábitos y usos distintos.
Esta barrera hace que un grueso de los comiqueros no entiendan bien,por ejemplo,porqué hay personajes japoneses andróginos sin que sean amanerados o abiertamente gay;o qué tan ridículos son en voz alta nombres como Daredevil,Swamp Thing,Darseid o Hypno-Hustler.Pero a cambio,la misma barrera cultural ha dotado a los comiqueros de una apreciación única:al no entender todo el contexto cultural,toda su atención se deposita en los dibujos y las tramas.Ergo,el porqué hay lectores que consumen el Captain America no por ser nacionalistas gringos.
La misma barrera explica el porqué ya ningún autor de las generaciones recientes hace comics al estilo del Memín,el Chanoc,los Burrón o los Supermachos —estando tan acostumbrados a ya no atender a los detalles culturales,incluso cuando son en español o iberoamericanos,pues ya nadie en las nuevas generaciones cree importante darles prominencia narrativa,a no ser a través de estereotipos satíricos o símbolos nostálgicos forzados...véase simplemente,por ejemplo,cómo los superhéroes de manufactura mexicana cuando no caen en parodias estilo Chapulín Colorado con héroes payasos o valemadristas,caen en estereotipos de aztecas o mayas a medio camino entre el misticismo New Age y el cyberpunk comercial,o en intentos fallidos de modernizar y reverenciar íconos clásicos (o todo lo anterior junto,que es lo peor del caso).

Así pues,tenemos que los autores mexicanos contemporáneos están,consciente o subconscientemente,habituados a hacer comics que deben leerse y apreciarse,sin entenderse o identificarse muy en lo particular.Claro,siempre hay sus excepciones,pero son eso mismo,excepciones que sólo corroboran la regla generalizada.Y la audiencia,que no es tonta,entonces percibe que,okey,hay talento,pero algo está fallando en la industria cuando a los autores locales les interesa más ser publicados que darse a entender o identificarse con la cultura a su alrededor.Luego entonces el reclamo y nostalgia de que los autores actuales ya no hacen nada como el Memín,el Chanoc,los Burrón o los Supermachos,y que más aún,sus modelos a imitar son Watchmen,Dragon Ball,Naruto y Scott Pilgrim.El punto aquí,que conste,no se trata de emular o no estilos,o de cumplir requisitos de procedencia,sino de alcanzar una clara identidad cultural en las obras.Los autores mismos lo saben,y en muchas de sus obras se puede ver su desorientación en búsqueda de algo (¡ALGO!) que les dé la identidad que les falta a sus obras para que finalmente estén completas y se puedan autolegitimar como auténticas.

Y por supuesto,habiendo una crisis de identidad de por medio y sin saber por dónde buscarla,es entonces que la definición y existencia misma del comic es cuestionada.Venga,un comic sin identidad,no se identifica con nadie,y pues es como si no existiera —algo así como el koan zen del árbol que cae en el bosque sin que nadie lo vea ni oiga.Algunos concluyen entonces que la industria del comic mexicano no existe.Otros tantos asumen que la única manera de definir al comic local es a través de definiciones que se convierten en dogmas de fe,del tipo «es que sólo si publicas en papel sí cuenta» o «es que nosotros sólo lo hacemos para expresarnos,no para complacer a la crítica» o «el futuro está en la publicación online» —dogmatismos que dicho sea de paso,cuando se contradicen o ya nomás se cuestionan,para sus seguidores es peor que haberles mentado la madre e insultado a su equipo favorito de pambol.
Y aún así,la crisis de identidad y existencia permanece:¿Qué es el comic mexicano? ¿Kaliman lo era,pese a ser un príncipe hindú? ¿Alguien debería invitar a Jis y Trino a la TNT o el Comics Rock Show? ¿La TNT y el Comics Rock Show deben siquiera considerarse como espacios legítimos del comic mexicano? ¿Caligrama y Editorial Vid son mafias de bolsillo que tienen alguna deuda moral con el público y los autores?

A ya más de 10 años de el ‘Boom’ del ‘92-’94,y más de 20 de que surgió la idea de ‘Nueva Era Del Comic Mexicano’,el comic aún sigue encarrerándose para agarrar vuelo,pero sin acabar de despegar.Sabe que desea ser algo distinto a los moneros políticos,a las aventuras post-pulp de Kaliman y Fantomas,a los melodramas marca Libro Semanal y al soft-porno de la desaparecida Ejea...pero fuera de eso,no sabe qué es realmente,y aún no sabe si debe aletear por su cuenta o esperar a que alguien le dé un empujón (o de plano colgarse de la cola de alguien más que ya esté volando).
Y entre que se decide si quiere ser un género,un antigénero,un estilo narrativo,una etiqueta de origen,una clica,una corporación u qué,no deja de auto-aislarse,sin lograr concretar su añoranza de relacionarse en forma respetuosa,madura,digna y profesional con el resto de las disciplinas creativas,la industria del entretenimiento,y claro,la opinión pública generalizada.

¿Logrará concretarse la revolución —o independencia— que tanto ansía el sector?
¿Finalmente se pondrá en paz consigo mismo y por fin terminará de crecer para dejar de ser un adolescente aborrecible? ¿O cual joven inmaduro,se la vivirá en la calle renegando,y se dejará llevar por propios sus vicios,hasta que llegue alguien más gandalla y cabrón a arrebatarle lo poco que tiene?

La consciencia de cada quién,le ha guiar,supongo.

Disclaimer 1.-Por si andaban con el pendiente (?),les aviso que no planeo hablar de la película de Watchmen.Hice la prueba pero no puedo ser imparcial desde el momento en que nunca me gustó la novela gráfica original —tiene el mérito de ser uno de los contados comics que me ha hecho decir en voz alta «¡Ay,no mames!» en el sentido fastidioso de la expresión.Como no tiene caso que haga rants gratuitos,dejémosle que el único comentario más o menos coherente que me inspira Watchmen es éste:


Disclaimer 2.-Ya que no puedo ser neutral ni coherente,sólo me queda ser constructivo,así que mejor hice un comparativo narratológico entre Watchmen,The Incredibles y DC:The Final Frontier.Ojo al detalle que no es una insinuación de que las 2 últimas obras sean un "fusil" de Watchmen,sino por el contrario,que Watchmen está sobredimensionada (ojo de nuevo:dije sobredimensionada,no mala).Tómenlo entonces como un comparativo didáctico de cómo se pueden aplicar ciertos tropos en el género de superhéroes sin caer en los vicios del mismo.Igual puede servir como base por si alguien se anima a hacer "El Watchmen Mexicano",pero ahí sí yo ya no me responsabilizo si creen reconocer moldes y fórmulas donde en realidad sólo hay evoluciones convergentes a partir de entornos similares.

Aclarado lo anterior,pues viene de a'i:
( Clickale pues... )

Sirva como un pequeño ejercicio de activismo para erradicar la politización y la falta de criterios a la hora de valorar las cosas.

1. Mayor Labor Técnica = Mayor Depuración De Obra.
Todo mundo sabe que no hay arte sin sacrificio,¿verdad? Así que a más tiempo y esfuerzo sacrificado,más "nivel" artístico,¿verdad?
Pues no.Así como es tonto juzgar un libro por su portada o una película por su cartel,es lelo tratar de valorar un comic por su cantidad de páginas,su número de tintas,su volumen de palabras por diálogo o su montón de achurados y texturas por ilustración.Seamos honestos,hay autores que nomás atiborran todo de detalles o se cuelgan de los recursos de producción no por que tengan muchos recursos o por que tienen mucho qué comunicar,sino por que nomás no saben cuándo detenerse,o no saben otro modo de disimular sus errores.Igualmente,un gran volumen de copias en circulación no necesariamente es sinónimo de un producto superior.

2. Arte chambón = Creatividad.
El otro lado del punto anterior.Una cosa es un estilo abstracto,provocador o intencionalmente grotesco.Y otra cosa distinta es el trabajo de alguien chambón y sin rumbo definido.A golpe de vista se ven iguales,pero poniendo atención no es tan difícil diferenciarlos —aquí para ésto,ya no es tanto la chambonería del autor pretencioso o novato sino la del espectador petulante u holgazán que espera que todo se lo den peladito,concreto y explicado en la boca.
El arte y la creatividad siempre tienen un sentido del propósito.Si dicha intención no es clara dentro de una obra,no se confundan ni dejen que los confundan:entonces no es arte ni creatividad,sino un oportunista que busca venderles gato atropellado por faisán.

3. Discutir = Pugnar Hasta Que La Razón Se Imponga.
Discutir se trata de intercambiar ideas y opiniones,buenas y malas.Punto y San Se-acabó.Discutir definitivamente no se trata de aferrarse a una postura cual si fuera camiseta de equipo de futbol,ni tampoco tratar de imponer dicha postura,por muy justa,objetiva o democrática que sea.
Al discutir una obra,surgen puntos de vista que lo ayudan a uno a apreciar más las cosas o encontrarles detalles que uno no había notado.
Si nos ponemos a pugnar,sólo queda una única visión cerrada,sectaria y elitista que en nada beneficia a nadie (excepto quizás a alguien que desee imponerse como gurú o mini-dictador de opinión).

Dicho sea de paso:la democracia es el gobierno de las mayorías pero eso no obliga a que las mayorías siempre tengan la razón en todo.Ergo,que el discutir algo tampoco obliga en ningún momento a aceptar o rechazar a algo o alguien sólo por no concordar con la mayoría.Y tampoco se trata de irse al extremo opuesto de hacerse el mártir de la libertad de expresión:reitero,discutir es intercambiar y conocer ideas nuevas,no pugnar hasta que haya un ganador y un perdedor (para eso hay métodos más efectivos y satisfactorios como las retas de Street Fighter,los tiritos de ajedrez,los concursos de vencidas o las cascaritas de fut callejero).

4. Purismo = Renuencia de Evolución.
Si nos ponemos estrictos,al final no hay diferencias entre un purista y un liberal.Uno es experto en un campo muy específico y limitado,vale,pero que conste que se las sabe de todas,todas,en dicho campo.El otro está abierto a todas las opciones existentes,pero su afán de abarcar mucho lo limita a no apretar tanto como pudiera hacerlo.A ambos,pues,les sobra lo que respectiva y mutuamente les falta.Ambos se enfocan en una sola vía por que no pueden agarrar ambas al mismo tiempo o bien esa fue su decisión y gusto.Y la ironía es que aunque bien podrían beneficiarse de compensar sus respectivas deficiencias y fortalezas,no pueden debido a lo mismo que uno se mueve de izquierda a derecha y el otro de derecha a izquierda.Se pueden cruzar de vez en vez,pero básicamente andan en carriles distintos.
Lo anterior nos lleva al punto en que es ridículo y estúpido recriminar o censurar la opinión de alguien de ser "purista,retrógrado y cerrado",cuando ser "liberal,progresista y de mente abierta" también carga sus puntos flacos,o su supuesta apertura se limita a cerrarse a aceptar sólo las ideas de quienes se desenvuelven en su mismo circulito de conocidos,colegas y seguidores.Y por supuesto,viceversa también.Ni tanto que queme al santo ni tanto que no lo alumbre,ultimadamente (volvemos a lo mismo:discutir no es pugnar).

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Aviso:Contiene Spoilers (y faros de halógeno y rines de magnesio)
Cuando la película Star Wars se volvió un éxito de taquilla,George Lucas no perdió tiempo y decidió hacer una secuela.Y para el efecto,renombró a su película como Episodio IV —lo cual resultó una brillante maniobra mercadológica,pues pa' pronto dejó a más de un espectador con la incertidumbre de si se había perdido o no los 3 episodios previos,incrementando entonces el interés no tanto sobre las películas en sí,sino en el concepto narrativo en general,creando así uno de los fandoms más grandes y poderosos de la cultura contemporánea.

Ahora,seguro ya muchos se saben el chiste que alguna vez salió en Los Simpson,donde en un flashback ubicado durante el estreno de The Empire Strikes Back,Homero le revela a toda la gente afuera del cine la sorpresa de que Darth Vader es el padre de Luke.Ahora,la efectividad e ironía del chiste no es propiamente la torpeza de Homero,pues hoy en día,es ya un conocimiento de simple cultura general el saberse que el villano asmático es el progenitor del güerito desabrido.Lo que es más:los diálogos de esa viñeta en particular se los sabe ya todo mundo,y la misma viñeta ha sido ya recreada y parodiada en toda clase de series animadas,películas,comics y películas.Incluso,muchísima gente se sabe ya el numerito,aún si nunca han visto el dichoso Episodio V.

Y sin embargo,con todo y que el momento del «Luke,yo soy tu papi» es lo que se define como un spoiler,no por ello la película pierde fuerza como una historia sólida.Prueba de ello son los warsies menores de 30 años pa'bajo:muchos vieron la película sabiéndose el spoiler,y no por ello no pudieron disfrutar la película o dejaron de convertirse en acólitos de la franquicia.

En contraste e irónicamente ante lo anterior,es ya bien sabido que Lucas tuvo a bien chutarse los episodios I al III.Pero pese a su numeración y orden lineal en la cronología de la franquicia,si uno intenta ver las 2 trilogías en orden,entonces resulta que las precuelas sí arruinan la experiencia de ver los episodios IV al VI.Y no es mera especulación:muchos niños y adolescentes que no habían visto la trilogía original,precisamente decidieron ver las películas en orden,y encontraron entonces que muchas de las revelaciones y giros de la trama se volvían anticlimáticas,pues ya habían sido reveladas dentro de la historia misma.

¿Qué nos enseña lo anterior? Aparte de que para ver Star Wars hay que hacerlo siguiendo el orden de filmación (IV,V,VI,I,II y III),cuando una historia está bien planteada y bien narrada,ningún spoiler puede arruinarla,así de simple.Lo cual demuestra que la paranoia fanboyesca ante los spoilers en blogs y foros web está un tanto infundada —claro que considerando entonces lo chambones que son muchos comics y películas de culto fanboy,pues sí se entiende entonces cómo la más mínima revelación preliminar puede fastidiar por completo la historia.Recordando otro gag de Los Simpson,ocurre lo mismo que cuando Homero ve el trailer de una película en un videoclub,y el empleado le ofrece que rente la película correspondiente:«¿Para qué? ¡Ya ví la mejor parte!».

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Acotación Inicial:
Con ésta,son ya 90 entregas quincenales ininterrumpidas de Ésto No Es Un Simulacro.No que signifique nada en particular,pero sólo me llamó la atención sacar a colación el dato.
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Retro,Vintage,Tradición y Mentalidades Conservadoras

Con el paso del tiempo,los gustos y sensibilidades de la gente cambian.Y en consecuencias,los estilos y técnicas deben cambiar también,ya sea por necesidad evolutiva o simple gusto de probar con cosas nuevas.Pero de ahí nos topamos con las tendencias por lo vintage,lo retro y el simple tradicionalismo del 'malo por conocido que bueno por conocer'.Ahora bien,el aprecio por los estilos y gustos no nada más implica reverenciar al pasado nomás por reverenciarlo por que es viejo,tradicional,histórico y bla-bla-bla.Para entender bien el asunto,conviene definir primero 1 o 2 cositas.

El concepto de lo retro tuvo su origen en Francia durante la década de los 70's.En aquella época,la cultura francesa atravesó un periodo/moda/como-gusten-llamarle de apreciación nacionalista,centrado principalmente en la figura histórica de Charles de Gaulle y el papel que jugó la sociedad civil ante la ocupación nazi durante la 2ª Guerra Mundial.Como consecuencia,muchos novelistas y cineastas franceses empezaron a crear historias ambientadas y/o alusivas a ese periodo histórico en particular,llegando al punto en que fueron tantas,que se agruparon dentro un género narrativo propio,al que se le llamó simplemente Rétrospectif,o sea,Retrospectiva.
Eventualmente,el nombre se abrevió como Rétro,y luego se le empezó a aplicar por igual a todas las obras referentes a todas las épocas pasadas en general,ya no sólo a los tiempos de guerra.Jean Baudrillard,en su libro Simulacra y Simulación,definió formalmente a la tendencia retro como «una desmitificación del pasado,distanciando el presente de las grandes ideas que formaron la era moderna».Dicho de un modo más simple y menos pomposo,la base ideológica de lo retro consiste en retomar ideas y elementos del pasado,y descontextualizarlos de todo orden o jerarquía histórica,para así darles nuevas apreciaciones estéticas o culturales.

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Definiendo e Identificando el Arte
«No,no;si yo lo que hago,no es para complacer a nadie,sólo hago lo que a mí me gusta»

Ya sea en su forma completa,en partes o en alguna de sus múltiples variaciones alternas,la anterior es una idea muy reiterada por un gran número de creativos en prácticamente todos los medios conocidos.Independientemente del uso que se le dé según el contexto de conversación,básicamente se trata de una manera de definir al arte,desde el punto de vista del artista mismo.Escencialmente,se resume a autogratificación:mientras la obra satisfaga al artista,está bien...pues el resto del mundo,en el mejor de los casos,sólo es un accesorio o incluso una piedra en el camino del proceso creativo,y que sólo ayuda cuando "apoya" o no estorba.

En las artes que involucran narrativa (literatura,teatro,cine,TV y comic),la definición anterior es de sobra conocida y utilizada.Especialmente toda vez que entran en conflicto la necesidad mainstream de generar ganancias,y la moralidad indy de aportar algo propositivo.En ese continuo estire-y-afloje,no hay criterios suficientes para definir al arte de la artesanía,así que literalmente,se agarra la primer salida rápida disponible.Y es que,claro está,si un zapato puede definirse como el objeto creado por un zapatero.¿Porqué no el arte habría de definirse como toda cosa creada por un artista? Si el artista está satisfecho con su obra,debe ser arte,¿no? Por que también,¿Qué sabe el público de arte,ah? Si supieran,serían artistas,maestros o críticos,y no público.

Por supuesto,las conclusiones anteriores son lógicas,pero no por ello son necesariamente correctas.

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Sacando Cuentas
¿Han volteado a ver al mercado gringo y asumen que es próspero,y que es el modelo industrial que el comic mexicano debería imitar? Bueno,sólo por morbo,va un rápido vistazo:

El precio de portada promedio de un comic de 32 páginas,anda alrededor de los $3 dólares americanos,lo mismo sea una edición independiente a blanco y negro (sin publicidad),o una mainstream a color (con anuncios pagados).
De esos 3 billetes verdes:
75¢ van para el dueño de la tienda de comics
20¢ van para los costos de flete
$1.30 se los queda el distribuidor (Diamond,usualmente)
38¢ se van en costos de impresión (lo que se diría,el costo real de cada revista)
los 37¢ restantes son las ganancias formales de producción (repartidas entre trazadores,entintadores,coloristas,letreristas,guionistas y editores)

Si bien le va,un creativo afiliado a una compañía obtiene alrededor de 5¢ (50¢ centavos de peso) por cada revista.Si el creativo se autopublica,okey,se embolsa los 38¢ él solo,pero obviamente estará trabajando al doble,y el tiempo que esté supervisando a los impresores o redactando comunicados de prensa,pues será tiempo de menos que le dedique a hacer su revista (lo cual explica el porqué muchos comics autoeditados son más bien bimestrales).

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