¿Has entrado alguna vez a una tienda y notado que un personaje en particular está repentinamente en todas partes? Emily The Strange es un gran ejemplo. Un día la noté en algo en una tienda, tal vez un sticker o un set estacional. Se veía familiar, pero no estaba muy seguro de si la había visto antes. Unos pocos meses después la vi aquí de nuevo, quizás en una camiseta. ¡Y luego un año más tarde estaba en cualquier y toda cosa que pudiera llevar tinta! "¿Cómo ocurre eso?" me pregunté. ¿Cómo 'el mundo' repentinamente descubrió esta creación artística y más importante, cómo 'el mundo' decidió que le importaba lo bastante como para que hubieran dos millones de productos diferentes con ella en ellos? ¿Cómo le hizo para de ser una idea en la mente de alguien, repentinamente ser esta criatura omnipresente en toda clase de mercancía? Y creo que la pregunta más importante para mí fue, ¿Cómo le hizo su creador? ¿Cómo consiguió que todas esas compañías firmaran todos esos acuerdos de manufactura? Tal vez me obsesioné con tratar de resolver este acertijo de cómo lograr esa clase de éxito con un caracter de creación propia. ¿Porqué? ¡Por que soy un creador de personajes y quería hacerlo también!

Emily es sólo un ejemplo. He visto lo mismo suceder con otras creaciones como Ruby Gloom, Hello Kitty, Happy Bunny, los diseños de Tokidoki, Ugly Dolls y un montón de otros más. Así que obviamente hay algo que muchos artistas han logrado hacer. La verdad sea dicha, nunca he tenido ese tipo de éxito con mis creaciones y realmente me mataba que pareciera tan fácil de lograr para otros. Me propuse tratar de averiguar cómo le hacían. El cómo puede uno tomar un personaje que ha creado, presentar dicho personaje al mundo y que el personaje camine por su cuenta. Con eso me refiero a que la propia popularidad del personaje lo impulse lejos. Y por supuesto, por que todos necesitamos comer, y por que a nadie le gusta un empleo aburrido, le eché el ojo a cómo hacer eso lucrativo, posiblemente hasta un sustento.

Mi búsqueda inició hace más de una década. He tenido un éxito modesto y he aprendido mucho en el proceso. Y como indudablemente hay miles de creadores como yo allá afuera que también ansían ver a sus caracteres amados por muchos, compartiré lo que he descubierto y daré algunos tips sobre... cómo hacer a tu personaje famoso.

1) El Caracter:

Pasión:
No sé si esto importe o no cuando se trata de ser exitoso, pero cada caracter que he creado, lo he hecho por amor. Tengo un profundo lazo emocional con mi primer personaje de comic, Chi-chian. Y el más reciente, Deady. Diablos, de veras los amo a todos ellos. Y eso eso lo ayuda y motiva a uno durante el proceso. Por que son como mis niños, lucharé con uñas y dientes por ellos contra todo mal. Pero si estás demasiado apegado a tus personajes muy probablemente no tomarás a bien cuando alguien te pida que los modifiques de algún modo o que los censures. Nunca he creado un personaje de comic sólo para sacar dinero de él (y espero nunca hacerlo) así que no puedo hablar de cómo hacer eso. Pero lo que sí puedo decir es que si amas a tus caracteres tanto como yo amo a los míos, muy probablemente tendrás por adelantado la pasión por luchar. Y créeme, ¡La vas a necesitar!

¿Quién es tu audiencia?:
Pregúntate algunas cosas básicas sobre tu caracter, como, "¿A quién le gustará?" Ya sabemos que tú la amas, pero ¿Les gustará a los chicos? ¿Al público en general? ¿A alguien aparte de tí?

( Click! —Sigue leyéndole,que se pone mejor... )
**********
*Traducción de un texto original de Voltaire,posteado en su blog el día 2 de junio de 2009.
Su real malignidad Voltaire radica en la ciudad de Nueva York y es animador,músico,diseñador,ilustrador e ídolo juvenil.

Disclaimer 1.-Por si andaban con el pendiente (?),les aviso que no planeo hablar de la película de Watchmen.Hice la prueba pero no puedo ser imparcial desde el momento en que nunca me gustó la novela gráfica original —tiene el mérito de ser uno de los contados comics que me ha hecho decir en voz alta «¡Ay,no mames!» en el sentido fastidioso de la expresión.Como no tiene caso que haga rants gratuitos,dejémosle que el único comentario más o menos coherente que me inspira Watchmen es éste:


Disclaimer 2.-Ya que no puedo ser neutral ni coherente,sólo me queda ser constructivo,así que mejor hice un comparativo narratológico entre Watchmen,The Incredibles y DC:The Final Frontier.Ojo al detalle que no es una insinuación de que las 2 últimas obras sean un "fusil" de Watchmen,sino por el contrario,que Watchmen está sobredimensionada (ojo de nuevo:dije sobredimensionada,no mala).Tómenlo entonces como un comparativo didáctico de cómo se pueden aplicar ciertos tropos en el género de superhéroes sin caer en los vicios del mismo.Igual puede servir como base por si alguien se anima a hacer "El Watchmen Mexicano",pero ahí sí yo ya no me responsabilizo si creen reconocer moldes y fórmulas donde en realidad sólo hay evoluciones convergentes a partir de entornos similares.

Aclarado lo anterior,pues viene de a'i:
( Clickale pues... )

¿Cuál es la diferencia entre el antes y el después...?
Hace décadas,el comic era un medio masivo no sólo en términos de ventas sino de creatividad —si bien no dejaba de vérsele como un medio menor y barato,también era cierto que la popularidad de sus obras era sumamente significativa,al menos mucho más de lo que es en la actualidad.Esta situación es particularmente notoria a través de la virtual inexistencia de personajes sólidos al menos desde mediados de los 70's.
No que los personajes estén mal fundamentados,pues ciertamente han habido muchos comics muy bien ejecutados en años recientes,pero el caso es que ya no han surgido personajes que permitan una identificación profunda con el público o su entorno.Mucha gente se identificó —e identifica aún— con Superman por representar el potencial oculto que muchas personas quisieran exponer ante los demás.Spider-man vino a reflejar muchas de las ansiedades cotidianas de los jóvenes,y la capacidad de sobreponerse a las mismas.Mafalda a su vez expuso muchas de las inquietudes de la vida diaria en Latinoamérica.Y así sucesivamente,es posible agarrar cualquier personaje popular y caer en cuenta que el secreto de su popularidad es simplemente el modo en que reflejan,concreta y/o simbólicamente,las ideas del público con el que se identifica —lo cual de paso,es un pequeño norte respecto a el porqué hay gente a la que gusta (identifica) más el Punisher que,digamos,Hulk,pese a que ambos son superhéroes motivados por la violencia física y los sentimientos de furia.

¿La ausencia de personajes populares nuevos debe atribuirse a que los comics de antes eran superiores a los actuales?
No realmente.Por el contrario,en términos técnicos y prácticos,muchos de los comics modernos son mucho muy superiores a los viejos —la redacción es más clara,el arte es más detallado y/o más abstracto,los colores son más brillantes y variados e incluso el papel utilizado es más resistente.Pero en términos creativos,volvemos a lo mismo:no han habido obras nuevas que generen un impacto cultural importante.Y más que un lloriqueo nostálgico,ésto ha de entenderse como un reclamo ante el potencial que se sabe posee el comic,pero nomás no explota como podría o debería.

( Click! )

«¿Quién Se Murió y Te Nombró Creativo...?»
El gran triunfo de la cultura contemporánea,es indudablemente de que las artes creativas ya no son monopolio exclusivo de las castas académicas,de la inteligentsia,y de la alta cultura en general.Gracias a los últimos avances tecnológicos —particularmente la web— absolutamente cualquiera es libre de hacer radio,cortos,dibujos animados,comics,camisetas,carteles,demos de música,reseñas o lo que sea,y compartirlo con el mundo entero.

Y sin embargo,la mayor tragedia,es precisamente,que absolutamente cualquiera llega y es libre de hacer cosas.Cosas que,honestamente son feas con 'F' de foco fundido,pero repentinamente resultan ser "arte","obras de vanguardia","propuestas","expresiones independientes" o peor aun "productos de 'calidad' aptos para audiencias librepensadoras" (no exagero:hasta me dieron náuseas nomás de acordarme).

Hoy en día,resulta que cualquiera es un ilustrador o diseñador talentoso,y por eso sube sus fotos,dibujos y/o Photoshopazos a Flickr.com o DeviantArt.com nomás para hacer fama y echarse a dormir mientras los descubre un headhunter o un reseñista de la Juxtapoz,la Wallpaper,Image Comics o los estudios UDON.
Todo mundo es capaz de saltar a la fama mundial con sus videos pseudo-mondo y simulacros de snuff (o con mensajes de odio lelo y "provocador"),hospedados en el YuTubi.
Todo mundo puede opinar y sostener un show de radio en podcast únicamente con dichas opiniones,sin importar que tan grises,lelas o irrelevantes sean (o peor aún:sostenerlo únicamente con pláticas entre sus propios cuates nerds).
Etcétera.

No todo es malo,por supuesto.De no ser por esos mismos recursos tecnológicos cada vez más accesibles,mucha gente valiosa,apasionada y talentosa nunca habría tenido oportunidad de darse a conocer,y dar a conocer lo que hace.Pero claro,por cada individuo que se brinca limpiamente la censura informal de las corporaciones y de la alta cultura,hay como otros 30 a los que deberían aplicarles la censura práctica,no por "irreverentes y cuestionadores",sino por simple selección y control de calidad de manufactura.
Pero,sobra decir que como en las democracias las mayorías mandan,pues son los 30 badulaques los que dominan y acaparan los medios y canales,y nomás crean mala fama e infamia que de rebote se lleva a los poquitos individuos talentosos —sin duda,el que dijo que el tuerto gobernaba la tierra de ciegos,no sólo era un ciego también,sino sordo y cretino.

( Click! )

Los ilustradores frecuentemente son alentados a que desarrollen un estilo. Te ayudará a crear una marca propia y mostrarle a los directores de arte que puedes trabajar de modo consistente. Encontrar el estilo correcto es una labor elusiva, así que aquí hay unas cuantas ideas que te ayudarán a empezar.

El estilo no significa dibujar todo el tiempo del mismo modo.

¿Qué bien le hace a un artista aferrarse a una sola ruta? Uno debe siempre estar experimentando, probando nuevos medios, y llenando cuadernos de bocetos. Un verdadero estilo saldrá natural como resultado de seguir aprendiendo y desarrollando tus habilidades. Si fallas en ésto, cualquier "estilo" que pudieras tener se volverá gastado y aburrido rápidamente. Un artista siempre está creciendo; aún después de que un estilo se desarrolla, continuará evolucionando con el tiempo. Algunos artistas se frustran por que su estilo sigue cambiando todo el tiempo, afianzándose con demasiada fuerza a su compromiso con la consistencia. Pero esta evolución sirve para mejorar tu trabajo artístico, ¿Para qué oponérsele?

El estilo no es excusa para unas habilidades pobres de dibujo.

Muchos artistas simplifican las manos usando trazos caricaturescos y formas de guantes; algunos artistas usan círculos o puntos para los ojos. Ésto no está mal por sí mismo, pero siempre puedo notar si el artista lo hace por decisión de diseño, o meramente por que está eludiendo el punto central del tema. Cada artista tiene que ganar algún tipo de habilidad para el dibujo primero, lo que significa reconocer y corregir debilidades y dominar lo básico antes que nada. Ya luego, uno empieza a simplificar de ahí. Así tendrás un entendimiento más sólido de qué estás dibujando, y se notará. Con verdadero conocimiento, aún la más simple de las manchas evocará más emoción, carácter y expresión que si nomás haces uns cuantas formas simples al aventón, y declaras que así es tu estilo.

El estilo no sale de copiarle a otra gente.

No encuentras un estilo mirando la obra de Don Artista Fregón, para luego buscar repetir su éxito haciendo exactamente lo mismo. Éste es un mal modo de abordar el problema, pues al final te estás condenando a una existencia donde no pasarás de ser nunca el segundón. He visto ilustradores que intentan dibujar en el estilo de Drew Struzan, Brad Holland, o Brett Helquist y siempre me quedo con las mismas impresiones: 1) Este artista tiene muchas fallas, las cuales son fácilmente evidentes pues es difícil no compararlo con el original, y 2) ¿Acaso este artista es capaz de pensar por sí mismo? Puede ser difícil a veces para los ilustradores; hay una gran tentación de seguir cualquier tipo de trabajo que sea popular con el fin de ganarse la vida. Pon atención a las tendencias y deja que los demás te influyan, pero no dejes que sobrepasen a tu propia voz. Al final, eso es tu logro más grande y lo que te colocará aparte de la competencia.

El estilo no depende del medio.

Seguro, hay ciertos efectos que sólo puedes lograr con ciertos métodos y técnicas, pero no pintas con acuarelas, para luego decidir que tienes un "estilo acuarelizado". O a veces en un vano esfuerzo de forzar un estilo, un artista se niega a trabajar de un modo específico por que no se ajusta a su medio favorito. Eso puede resultar una manera muy dañina y limitante de trabajar. Creo que el estilo sale de la mente del artista y el cómo decide resolver problemas. El estilo saldrá de un artista que encuentra un modo de tomar buenas decisiones de diseño, y se volverá redituable cuando logre hacerlo de modo consistente. No surge de elegir un método y esperar que la consistencia aparezca como consecuencia. Si dominas una técnica, puede ser un gran logro, pero date cuenta que no es la única cosa por la que un ilustrador es contratado.

Cómo Encontrar Un Estilo.

Dicho de modo simple: Dibuja, dibuja, dibuja.

Creo que hay un patrón conforme un artista se desarrolla. Primero, aprende lo básico y aprende a copiar el mundo a su alrededor, probablemente de un modo muy realista. Eventualmente, se influencia por otros estilos y trabajos artísticos. Desarrolla gusto y un mejor sentido del diseño. Conforme estos fragmentos y pedazos de información empiezan a fluir juntos, el artista empieza a aprender atajos favoritos y modos de hacer las cosas. En este punto, las imágenes empiezan a surgir más naturalmente, y el artista empieza a divertirse y experimentar. No es algo consciente o forzado —llega naturalmente como resultado de dibujar una y otra vez y buscar constantemente nuevas maneras de hacer las cosas. Un ESTILO real, en el sentido verdadero de la palabra, nace.

La frustración de muchos artistas es que simplemente aún no llegan a ese punto. Creen que si analizan sus obras con la tenacidad suficiente, el estilo aparecerá mágicamente. ¿Mi consejo? Sigue haciendo lo que haces. Sé diligente y paciente. Pon atención a lo que te gusta y lo que no. Aprende nuevas cosas y deja que te influyan. De nuevo: dibuja, dibuja,dibuja —y ten fe. El estilo llegará.

**********
*Traducción de un texto original de Dani Jones,posteado en su blog de tutoriales y discusión creativa,DaniDraws.com,el día 28 de noviembre de 2007.
Dani Jones radica en New Hampshire y es una ilustradora especializada en el género infantil y el sector editorial.

Un Poco De Aptitudes,Actitudes y Creatividad.
Mucho se dice que audiencias,recursos y talentos,los hay...pero luego entonces,¿Porqué hay tantos proyectos truncos,al vapor y francamente mediocres? Que,okey,hay sus honrosas excepciones,pero sólo son eso:excepciones de una regla no escrita de mediocridad galopante.Tal parece que a nadie le interesan los logros duraderos,sólo los chiquitos y fugaces que o únicamente sirven para pagar sólo la renta del mes,o bien ofrecen una gratificación inmediata (a esta situación,los punketos tienen a bien llamarla conformismo,por cierto).

De entre las muchas razones por las cuales no se ve un auténtico progreso creativo —al menos en las disciplinas narrativas— una es la relación actitud-aptitud de los realizadores.Ellos mismos reconocen poseer el talento necesario para lograr cosas grandes...pero en el fondo no se lo creen ellos mismos.

Muchos realizadores —dígase cineastas,radioastas,músicos,fotógrafos,escritores,diseñadores,etc.— dicen y/o se visualizan como Artistas (así,con mayúscula) o al menos como creativos sobresalientes,tan o más capaces que sus colegas y ejemplos a seguir.Pero la bronca surge cuando ninguno de ellos se toma la molestia en mejorar sus técnicas y estilos,ya no digamos para realmente igualar a sus maestros,sino de mínimo ofrecer algo (¡ALGO!) original,suyo y único.A lo más que llegan,es a desenvolverse en su carrera pensando «¡Mis obras son una fregonería!»,pero es obvio que no es así.Más todavía,su confianza en su supuesta superioridad se sustenta únicamente en 2 que 3 halagos recibidos,usualmente proporcionados por vatos que están trabajando en exactamente las mismas cosas y al mismo nivel —ergo,no hay ni siquiera un intento honesto por desmarcarse del montón.

También ocurre mucho la situación alterna de los realizadores que se la pasan horas y horas leyendo libros,estudiando tutoriales y guías,nutriéndose sólo de obras selectas y siguiendo sólo el ejemplo de los genios en su disciplina...pero en el fondo de su subconsciente,anida una nociva humildad que los autohumilla (valga la redundancia) y los convence de que nunca serán verdaderamente talentosos («No,si yo no me creo el gran artista;yo sólo hago dibujitos para entretener a la gente y ya»).La parte más irónica de ésto,es que éstos creativos se sienten superiores a los otros mencionados arriba,quesque por no tener problemas de 'ego' (sic).Y están tan fijados en eso,que ellos mismos frenan su propia capacidad de mejorar y experimentar con su arte.E igual que los anteriores,su única idea de interpretar los logros,son los halagos sueltos recibidos por gente en exactamente su misma frecuencia —ah,por que también,no hay que olvidar que la gente ajena no sabe valorar ni comprenderlo a uno.

( Sigue Leyéndole... )

Primero lo primero: ¿Podrías presentarte a toda esa gente que probablemente ha visto tu trabajo, pero no saben quién eres o lo que haces (pues no todos leen los créditos finales en películas y programas de TV)?
Ronnie del Carmen. Mis padres me bautizaron como Ronaldo del Carmen pero insistieron en usar el sobrenombre de Ronnie (vivíamos cerca de Sangley Point, una base naval estadounidense al otro lado de la bahía de Manila) pues tal era la costumbre entonces entre la mayoría de los padres de familia en Cavite City, así que había emparejamientos de nombres poco comunes. Se me quedó, así que desde entonces vivo con él.

Trabajo como realizador de storyboards en películas animadas. Hice el trabajo por primera vez en Dreamworks en el '95 en Prince of Egypt y luego fui supervisor de storyboards en sus dos siguientes películas de animación tradicional, "Road to El Dorado" y "Spirit". (fuimos de excursión al México rural para "El Dorado" y quedé muy impresionado con la gente y todas esas ruinas antiguas. La comida fue excelente y el país hermoso. Me gustaría poder regresar pronto).

Actualmente, trabajo para Pixar. Acabo de terminar una labor como supervisor de storyboards en "Finding Nemo" la película digital de Pixar para el próximo verano (2003). Al momento, estoy trabajando en otra película que se estrenará en el 2006. Estas cosas toman mucho tiempo en hacerse, ¿eh?

Empecé como artista de storyboards en el '91 trabajando en la exitosa serie, Batman: The Animated Series para la Warner Bros. Estuve ahí por casi cinco años, trabajando en storyboarding, diseño de personajes y dirigiendo. Mi único trabajo de dirección en solitario fue para Freakazoid (1996-97 ganador del premio Emmy a Programa Animado Sobresaliente. Me dieron una estatua como uno de los directores de la serie) (1).

Bruce Timm sólia atosigarme con que hiciera un comic mientras estube ahí en la WB. No creí estar listo pero cedí y mandé una propuesta a Dark Horse de un personaje marginal de Alien, Herk Mondo. Me dieron el trabajo y empecé mi irregular carrera en los comics que incluye dos historias de Herk Mondo, dos cortos de 8 páginas de Harley [Quinn] & [Poison] Ivy, portadas y pin-ups, y finalmente publicar mis propias historias y personajes en PaperBiscuit.


Bien,¿Qué fue exactamente lo que te jaló a la animación? ¿Qué te atrajo e hizo decir «ésto es lo que quiero hacer»?
Aunque no lo creas no quería tener nada qué ver con la animación. Tuve un maestro de animación chambón en la universidad y él fue el responsable de mi resolución de nunca trabajar en animación. Es decir, ¿Veinticuatro dibujos por segundo? Olvidenlo. Es muy pesado.

( Sigue Leyéndole... )

Ronnie Del Carmen reside actualmente en el norte de California y trabaja en Pixar.
Más de su trabajo puede verse en su sitio web personal:www.ronniedelcarmen.com. Para más de sus interesantes puntos de vista personales,no dejes de visitar su blog,Tirade! (tirade_)
Entrevista originalmente publicada en enero de 2004,en el (hoy desaparecido) sitio PocasPulgas.com.

¿Alguien habrá ya notado que...?:
¿Alguien habrá ya notado que si bien la actual generación del medio del comic mexicano ha generado varios ilustradores sobresalientes y 2 o 3 escritores idem...a la fecha no ha formado a ni un sólo editor? (léase editor en su sentido de director y productor creativo,no de empresario editorial.si de chiripa alguien allá afuera puede mencionarme a alguien que pudiera entrar en ese nicho,no deje de hacerlo en los comments o vía "mail).
*****
De Cuando El Comic Se Adapta A La TV (Mexicana).
Desde el pasado 14 de mayo,salió al aire una adaptación a TV de el comic de El Pantera.
Habría sacado el tema a colación antes,pero no había tenido chanx de al menos chutarme unos 3 episodios de la serie.Aunque de todas formas,en la blogósfera ya ha habido mucha bulla al respecto,como puede atestiguar un rápido sondeo vía Technorati.Lamentablemente,la opinión generalizada no es precisamente del todo interesante,pues como suele ocurrir con toda adaptación de un comic a algún medio alterno,de la noche a la mañana,todo mundo resulta que era fan (sacre,¿Dónde rayos estaban todos cuando cancelaron el título?),y todo mundo se indigna con que si no hay respeto/apego fiel a la fuente original [1].

Aquí podría insertar el argumento sebo y nerdo de «ay,es que las adaptaciones se hacen para el público en general,no para complacer fans»,pero no lo haré precisamente por que es tan sebo y nerdo,que sólo perpetúa la pose de autoflagelación gratuita ("buuu-buuu,los 'verdaderos' fans siempre pierden ante el público mayoritario,buuu-buuu").
En vez de eso,prefiero obviar el hecho de que hablamos de un trabajo de adaptación,no de traslación o traducción a otro medio.Entiéndase entonces que la idea no sólo se trata de repetir o recrear las historias y conceptos ya vistos,sino de que los nuevos autores aporten algo propio,dígase lo mismo su estilo particular o incluso una reinterpretación completa.Así pues,una adaptación debe complementar a un mito —y eso no implica que una adaptación busque suplantar a su versión original,como muchos fanboys insinuan con sus actitudes y valoraciones acríticas.
En ese aspecto,no puede juzgarse que la susodicha serie sea realmente mala,pues a fin de cuentas,se mantiene fiel y honesta a los stándares del house-style de Televisa...por supuesto,ya de que dichos stándares sean algo verdaderamente sobresaliente,pues bueh,tampoco era de esperarse que súbitamente Televisa tuviera competitividad suficiente como para ponerse al tú-por-tú con la Fox,la WBTV,la NBC,la ABC,y la HBO,por el sólo hecho de empezar a imitar sus metodologías de mercado.Pero no salgamos del tema.

( Click! )

¿Quién Le Teme Al Lobo Feroz A La Piratería...? (o Quien Nada Debe,Nada Teme)
(Parte I)
Una de las grandes ironía de los tiempos modernos,es el hecho de que antes,el mayor temor de la narrativa en general era que determinadas historias corrieran el riesgo de que cada vez menos gente las conociera,y eventualmente cayeran en el olvido —y hoy en día,el mayor temor que hay,es que determinadas historias sean difundidas de más.

Yep:hablo de la piratería.

Personalmente,no estoy contra la piratería,desde el momento en que sí lo estoy contra el corporativismo,que más que vender un producto o servicio,vende más las etiquetas y envolturas,y sólo hace ricos a intermediarios corbatudos y pedantes.
Por esa misma razón,estoy también completamente en contra de esas imbéciles campañas de propaganda de «Di No A La Piratería» —que no niego que existan broncas de mafias criminales detrás de la piratería como industria,pero quienes financían esos mensajes por que están perdiendo dinero,pu's son las corporaciones mismas (los creativos e intérpretes de por sí están mal pagados y mal comidos...y aún así,en vez de pagarles mejor,los empresarios prefieren gastar recursos en sensacionalizar y satanizar a la piratería,e incluso confundirla con el plagio [que de hecho,es algo completamente distinto]).
Lo anterior es un rant aparte de a lo que voy,pero aclaro de una vez desde dónde estoy viendo las cosas,y qué aspectos me interesa más comentar (y que no incluyen la perpetuación de cosas como «huy-huy-huy,sálvense,ahí vienen los piratas a saquear a los probrecitos autores luchones y honestos que "sí trabajan" [sic]»).

Bueno pues.Es ya una obviedad del dominio público,que el mercado se rige por la ley de la oferta y la demanda.Y en ese respecto,pues se sobreentiende que existe una demanda por productos pirata,y de ahí que exista ya una vastísima oferta de piratería.
Ahora bien,uno de los mayores mitos que hay,es que la mentada demanda por la piratería se origina en las clases bajas,pero numerosos estudios y sondeos han revelado una y otra vez,que quienes consumen más piratería,son en realidad las clases medias.Y es incluso lógico:quienes más compran y descargan copias no oficiales,de antemano tienen la solvencia económica suficiente para tener en casa servicio de corriente eléctrica,internet,TV,consola de juegos y reproductor de DVDs.Se entiende entonces,que el consumo de piratería es más bien secundario e indirecto,en cuanto a que primero hace falta consumir otro tipo de cosas para poder darle uso.Luego entonces,aunque el factor precio sí influye,no necesariamente es la causa principal que promueve la demanda para que exista la piratería.

( Click! )

Manga —es la onda. Está dominando las secciones de comics de las librerías, o mejor dicho, las secciones de novelas gráficas. De hecho, actualmente se les llama secciones de manga. Mientras que la relación amorosa de Occidente con todo lo que sea japonés no está en duda, tampoco lo está el hecho de que hay un pequeño pero clamoroso grupo de creadores y lectores de comics que odian al manga (más notablemente en partes de la comunidad del webcomic).
Yo no soy uno de esos. No leo mucho manga —me desconcierta un poco su conjunto y no sabría por dónde empezar, aunque los siete volúmenes de Nausicaa y algunos cuantos volúmenes de Astro Boy reposan como lecturas favoritas en mi librero, y estoy seguro de que ya leeré más en lo futuro. Agregado a eso, mi afinidad por lo japonés se remonta a mediados de los ochentas cuando empecé a estudiar karate y abrigué la ambición de eventualmente aprender de un instructor japonés de alto rango (cosa que eventualmente hice). Antes de que siquiera supiera que el manga existía podía pasarme las horas estudiando y dibujando de viejas estampas japonesas de samurai —una importante contribución a mi gusto por el estilo de líneas claras. Otra razón por la que estoy a favor del manga es la asombrosa inyección de entusiasmo que le ha dado al mundo de los comics. Ha ayudado a revivir la industria, y ahora no sólo tenemos cientos de miles de nuevos lectores jóvenes de comics, sino aspirantes a creadores también, por no mencionar la variedad de editores ávidos de entrar en la acción. Es saludable y es positivo.

Hay mucha discusión y confusión sobre lo que es el manga. Estoy seguro que si las historias de Corto Maltese o Freddy Lombard aparecieran en japonés en una librería de Tokyo, les llamarían manga, o sea, comics. Pero cuando decimos manga en Europa o los E.U., una imagen específica viene a la mente —ojos grandes, barbillas picudas y todo lo demás de eso. En otras palabras —un estilo preciso de dibujo. Soy un artista lo bastante bueno, que si lo quisiera, podría dibujar en un estilo manga —incluso posiblemente bastante bien (aunque dominarlo ya sería otro asunto aparte). Si lo hiciera, dispararía mi base de lectores, e incluso podría posiblemente tener una oportunidad de publicación más rápida con un editor de libros ahora mismo. A decir verdad, a inicios de los 1990’s, el artista de comics Alan Davis de hecho me dijo que debía darles una mirada a algunos de los artistas populares de Image en aquel entonces y tomar elementos de su estilo para así ayudarme a conseguir un trabajo en los comics (no seguí su consejo).

Es interesante que a quienes no les agrada el manga, tienden a enfocarse en el hecho de que mucho del mismo es dibujado por no-japoneses que ’imitan’ el 'estilo manga'. Una razón por la que me interesa esta visión, es por que las mayores críticas que he recibido por Rainbow Orchid han tenido que ver con mi repetición del estilo de Herge. Dicho lo anterior, también es una de las principales razones por las que a mucha gente les gusta Rainbow Orchid. A veces recibo un halago por [Rainbow] Orchid que incluye algo como "disculpa que lo diga, pero me recuerda a Tintin", como si yo estuviese esperanzado de que nadie lo notaría.

En 1997, cuando Rainbow Orchid tuvo su primer inicio en falso, hice la decisión consciente de tomar elementos del estilo europeo de trazos claros, pues quería evocar la atmósfera que me provocaban Tintin, Blake & Mortimer e Yves Chaland, así que no me molesta que la gente diga que les recuerda a Tintin —ésa es la idea. A mí también me recuerda a Tintin. No me importa que ésto venga como una crítica, o como un halago. Confío en que hay bastante 'yo' ahí, especialmente en la redacción, como para tomármelo todo con una buena taza de té. (Aunque debo admitir que quedé muy complacido cuando una de las primeras personas a las que les mostré Orchid, un renombrado diseñador profesional, dijo '¡Es encantador, se parece a Winsor McCay!').

Entonces ¿Están mal los webcomickeros manga estadounidenses, británicos y franceses, por tomar elementos del estilo manga en sus dibujos? No creo que del todo —el estilo es parte del mensaje. La gente sabe lo que es el manga, evoca una cierta atmósfera, es el estilo de esta época, igual como en la música tuvimos rock progresivo a inicios de los setentas y punk a finales de los setentas. Y ¿Son los gaijin manga-ka los únicos evocando un estilo? Hay mucha gente usando lo que podría definirse como un 'estilo animación' en sus trabajos —¡Especialmente si se les compara con caricaturas americanas clásicas, lo mismo sean de Disney, o la Warner Brothers o Ren & Stimpy! Esto tiende a ser más en el área de la ilustración que del comic, pero ahí sigue. Hablando a rasgos generales, los comics de superhéroes americanos tienen un estilo propio preciso también. Cambia con los años, pero puedes echar una mirada a muchos comics de E.U.A. y decir "ése es un comic de los E.U.". También mencionaré el área de la ilustración infantil, inundada de acuarelas y el espíritu de Quentin Blake. ¡Y ya ni hablemos de las razones por las que el manga japonés tiene un estilo específico (a rasgos generales) en primer lugar!

No puedes escapar fácilmente del saco del estilo. Los artistas son inspirados por el arte. Cuando tus flamas arden bajo, es el arte de otras personas el que puede re-encender y avivar las flamas. El arte de comic es especialmente propenso a la herencia estilística —en parte por razones de nostalgia, en parte por razones de inspiración, y en parte por razones de expresar un tono en particular para la historia. Todos los artistas son influenciados. Muchos superan rápidamente la imitación, conforme la mezcla de influencias se ensancha y una voz es hallada y desarrollada. Pero ciertos trabajos picarán nuestros ánimos y buscaremos llegar a algo similar. Al final, sólo se trata de contar una buena historia con imágenes.
**********
*Traducción de un texto original de Garen Ewing,posteado en el blog del webcomic The Rainbow Orchid,el día 28 de marzo de 2007.
Garen Ewing es británico, diseñador,ilustrador y autor del webcomic The Rainbow Orchid (comic que por cierto,si saben lo que es bueno,tienen que leerlo,así de simple).